martes, 22 de septiembre de 2009

Walter Benjamin: La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica

http://www.cholonautas.edu.pe/modulo/upload/Benjamin1.pdf 


En este ensayo Walter Benjamin expone los diferentes puntos en los que es afectada la obra de arte en este tiempo de modernidad.

El fácil acceso a gran cantidad de información y tecnología ha llevado al hombre a diferentes técnicas que han facilitado también la reproducción de obras de arte. Además han modificado el concepto de lo Bello al difundir el arte de diferentes maneras y más fácilmente. 

La reproducción del arte, al mismo tiempo de "quitarle el aura" a la misma obra de arte, le ha dado también esa llamada autenticidad. Ya que gracias a la existencia de ésta, puede usarse dicho término. 

La misma reproducción ha traído consigo aspectos positivos y negativos para el arte. Las nuevas técnicas de ésta, trajeron el arte a la vida diaria, alcanzando a la imprenta. La imagen ahora podía ir a la par con el habla, la mano es más lenta. Además que ahora se le hacen modificaciones a la misma reproducción formando otras nuevas imágenes.
Pero con esto también se le quita el aquí y el ahora de la original obra de arte, su significación artística. La obra de arte que no solo trae consigo la simple imagen, trae todo un contexto histórico que viene mitos, religiones,  y que además en ese aquí y ahora desencadeno toda una serie de pensamientos y análisis.  
Los grandes espacios históricos modifican la percepción sensorial. Todas las transformaciones sociales traen con ellas transformaciones en la sensibilidad. La autenticidad, la unicidad, "el aura" de la obra de arte se identifica con su ensamblamiento en el contexto de la tradición.

La obra de arte cuenta con un valor cultural y un valor exhibitivo. Los elementos culturales influyen con la percepción de arte. Por ejemplo, la percepción de lo bello ha sido modificada. El ensayo pone como ejemplo el cine, el momento en el que el personaje es disparado por la espalda es un ejemplo perfecto de cómo el arte se a escapado de lo antes establecido como bello. El cine siendo espejo de el mismo hombre, pero ahora ese espejo puede ser llevado ante un público, hacia un mercado. No es sólo cómo el hombre se acerca al aparato, si no cómo también éste se presenta al mundo. Pero el cine expone ejecuciones pasibles de análisis exacto y rico.

Uno de los grandes cometidos del arte ha sido provocar demanda antes de su hora de satisfacción plena. Pone como ejemplo el dadaísmo, el cual buscaba provocar cosas que el cine busca provocar hoy.

También pone como ejemplo ese culto a las estrellas. Cómo esto a la vez de quitarle el llamado aura al personaje de cine, también promueve al mismo en este mercado.
Lo mismo con la literatura, antes con limitado número de seguidores, pero que despúes con la aparición de la prensa, se ve expandido.

Uno tiene que dar en cuenta la relación innegable de masas para con la obra de arte.

lunes, 21 de septiembre de 2009

Le Déjeuner sur l'herbe



Literalmente, traducido al español, «Almuerzo sobre la hierba».Realizado por  Édouard Manet en 1863. Mide 208 cm de altura y 264,5 de largo. Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de Orsay de ParísFrancia. Al principio se llamó a este cuadro Le Bain, y luego La Partie carrée. En español, también se ha traducido como La merienda campestre o, también, Almuerzo campestre.

El hecho de que en el cuadro exista un desnudo femenino con caballeros completamente vestidos suscitaron controversia cuando la obra se mostró por vez primera en el Salon des Refusés en 1863, después de ser rechazado por el Salón oficial. Ademá numerosos críticos rechazaron la modernidad del estilo, desde el punto de vista cromático y compositivo.

PICASSO

Picasso retoma Manet en 1961. Parece divertirse con sus diferentes versiones.  

En una,Victorine vuelve a ser un globo, mientras que la bañista del fondo parece remojarse en una piscina hinchable y que el "Parlanchín", vestido totalmente de rojo, parece un Papa Noel o un enano de jardín.

  A comienzos de julio, graba varias planchas con un "Parlanchín" debidamente vestido. Pero luego, Picasso desnuda a todos, proporcionando de este modo una respuesta a la rareza del cuadro de Manet, aquella del enfrentamiento entre la mujer desnuda y hombres vestidos. El segundo hombre, que Picasso tumba en la hierba, con un libro en la mano, es verdaderamente cezaniano. El paréntesis naturista y cezaniano se cierra el 16 de julio de 1961 con un cuadro en el que Victorine, desmesuradamente alargada, gigante, se gira hacia el gran "Parlanchín" con un aspecto de mantis religiosa. El 27 de julio, Picasso transforma de nuevo El desayuno. Esta vez, elimina el vecino de Victorine y todos los accesorios. El "Parlanchín" pierde su cabello, manifiestamente envejecido y evoca irresistiblemente al propio pintor. Picasso entra en el cuadro para dialogar directamente con una Victorine que podría parecerse a su mujer Jacqueline. 

 Nunca Picasso ha llevado tan lejos a Manet para substituirle. Retoca cinco veces esta nueva distribución. A veces Victorine-Jacqueline es muy pequeñita, sometida al docto gesto del "Parlanchín". A veces es igual aplasta por su magnitud al "Parlanchín" transformado en marioneta, mientras que la bañista del fondo se remoja en una bañera. Ha vuelto la ironía.

 Picasso hizo también piezas de cerámica, dibujos a lápiz, cartones de los personajes en gran tamaño, etc. Conservando siempre a los personajes al aire libre.

lunes, 14 de septiembre de 2009

Manierismo



Término que ha tenido cierto sentido peyorativo y que surge de la definición que críticos del siglo XVII dan de los pintores que buscan la perfección a la "maniera" de los grandes maestros del Renacimiento.

Es el período artístico que va desde 1515 hasta 1610 en toda Europa. Se representan temas religiosos con lirismo y fervor, temas mitológicos, que permiten expresar mejor ciertos sentimientos propios de la época, y temas alegóricos que ejemplifican los hechos históricos. El arte manierista es cortesano, intelectual y teatral.

Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio.

El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente

Se caracteriza, en su estado más puro, por composiciones en las que se rompe el equilibrio, líneas diagonales quebradas, espacios inestables, estilizamiento de los cuerpos, con cabezas pequeñas y extremidades desproporcionadas, que ocupan todo el cuadro y que contrastan con otras pequeñas figuras en la lejanía, audaces escorzos. Gusta la línea enroscada, los colores de tintas discordantes y efectos extraños de luz. Los paisajes son irreales.