Mujer en sociedad 2009

Mariana Alcantara

Lourdes Fernandez

Camila Pretrini

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Técnica mixta

Medidas variables

Colección de las artistas

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Las mujeres, hoy en día están sometidas a un "bombardeo" de parte de los medios. Esto les crea un estereotipo de mujer ideal. Les hace pensar que cierto tipo de ropa, accesorios, ir a ciertos restaurantes, tener un estilo de vida en especifico es el correcto. Viviendo en esta sociedad que nos impone estas ideas, es difícil salir de esa idea, de la idea de que existe una manera correcta de ser y de seguir la vida.

La sociedad ha hecho que la mujer sea cada vez más una víctima del consumismo, involucrando emociones que llevan a este encierro. 

Te utilizo para crear.

El verte ahí, a través de la barrera que yo puse para ti. Esta vez sin poder acercarme a sentirte a través de ella, sin poder abrir canales que me dejaran tomar lo que quiero tomar, perdiendo total control de ésta. 

De haberte sentido tan mío, a dejar simplemente de sentirte. Estabas ahí?, para mí no lo estabas. La esencia, la que capté yo de ti, no estaba. Desconocerte, si es que alguna vez te conocí... verte lejos, si es que alguna vez te tuve cerca. Confusión es lo que ocupa gran parte de mi cabeza. La ausencia del sentimiento es extraño en tu presencia, ver como es que tu cuerpo tan familiar, que alguna vez toque tomándolo como parte de mí, puede formar una idea tan extraña, o simplemente no formar ninguna. 

No poder seguir mintiéndome con la idea de que podríamos ser. Siempre supe que no lo seríamos, pero era capaz de jugar con la idea, de crear una fantasía que pudiera disfrutar, al verte como parte de mi vida siempre, siempre con toda la fortaleza que contiene la palabra. Por absurdo que suene, me gustaba mi propio engaño.

Quiero pensar que sigues en mí, simplemente fue una situación nueva, en la que no el conocer tu actuar, el no saber si querías que lo conociera, el no saber qué tanto querías que me acercara, me paralizó. Pero he perdido la capacidad de mentirme, y hoy, te veo perdido.

Keep walking.

As you walk through life awake, you end up finding people who are also awake, who can walk at your pace. This keeps you going. It encourage you, making you feel you're not alone. But people don't wake up at the same rythm. And it becomes harder to keep going alone. But you have to let them go. Maybe they'll catch up. Maybe they won't. Maybe you'll find others who can walk right beside you. At times you'll find yourself walking alone, but isn't it the final goal to walk through life wide awake? You can't be that part of sight that is missing from someone, it will only slow you down, and it will keep you from walking with others with wider sight, or even see them at a distance.

A la deriva

Doy el primera paso. No tengo dirección. Caminar sin sentido nunca tuvo tanto sentido. Se escucha un sonido potente pero lejano al que le encuentro relación con un avión, por lo que volteo al cielo. No hay nada. Entonces continúo. Ahora un sonido viene desde abajo, no quiero voltear. Tardo un segundo y por fin lo hago, sólo una rama. El viento es fuerte, pero no tengo frío, sólo una sensación de frescura. Me gusta. No parecía haber sol, pero el movimiento de una nube hace que un rayo apunte directo a mis ojos. Mi primera reacción es cerrarlos, dejándolos entreabiertos. Una vez volviéndolo consciente, los abro. No me lastima la luz mientras no vea directamente hacia ella. Continúo. Mi primera impresión fue de silencio. Pero no lo era. Simple falta de atención. Ahora con ella, escucho el movimiento. El movimiento del viento, el movimiento de la energía solar que relaciono con el calor que ahora siento con más potencia en mi hombro izquierdo. No realizo ningún movimiento brusco. Mi respiración se ha vuelto silenciosa. Mis sentidos están completamente abiertos. Inmóvil por lo que parecen instantes. Parece que todo se me mueve excepto yo. No parece suceder nada. Pero es tanto lo que está presente. Entonces decido dar un paso. Tal vez más adelante la sensación sea diferente.

Arte Cinético

En esta corriente de arte, las obras tienen o parecen tener movimiento. Por lo que es conocido también como el arte del movimiento.

Desde sus comienzos el hombre ha intentado representar el movimiento en sus obras. En el arte cinético no se representa al movimiento en sí. Sino que mediante él, el artista utiliza diferentes recursos con los que incorpora el movimiento en la obra.

El arte cinético nace al querer romper con la idea de que los ritmos estáticos son los únicos elementos de las artes plásticas y quiso remplazarlos por ritmos cinéticos  “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Lo que lleva al artista a realizar principalmente esculturas basadas en la estética del movimiento, utilizando componentes móviles en las obras.

El arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas, y entonces crearnos únicamente la sensación de movimiento, aunque éste en realidad no exista.

Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en la primera década del S. XX, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calender inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por algún tipo de energía externa.

El arte cinético fue muy utilizado en la década de los 60 y 70. Se crearon obras que utilizaban la ilusión óptica para causar al espectador inestabilidad y movimiento. También son utilizados móviles sin motor y construcciones tridimensionales con movimiento mecánico.

Televisión, Internet, Arte, Poder de los medios.

La televisión se introdujo en 1939 en EEUU. Hacia finales de los 40's, principios de los 50's, ésta se había intensificado, cada vez existía más demanda. La televisión provoco grandes cambios en la vida cotidiana, la invadió poderosamente. Mientras que en los 50's era una poderosa arma social, en los sesenta empezaron a nacer resentimientos en ambientes culturales.

Antoni Muntadas, artista que utiliza el video con intensiones críticas, reflexiona sobre el poder que tienen los medios sobre las masas, mediante todo tipo de estrategias.

En los 60's el arte del video estaba muy influenciado por los intelectuales de ese tiempo, como McLuhan, Wiener, Fuller, personajes que estaban muy conscientes de la cultura de los media.

McLuhan profundizó sobre todo lo que implicaba la cultura mediática, y como el arte puede ser visto como contra-medio o antídoto de los media. Y a la vez es facilitado por los mismos. El arte hace que la gente vea los medios de otra manera, haciendo consciente todo lo que implica el transmitir un mensaje por medio de ellos, por lo que se puede considerar antídoto.

Los medios va avanzando cada vez más y evolucionando de forma cada vez más rápida. Un ejemplo claro es el de la televisión antes abierta, ahora más especifica, y ahora se esta viendo la posibilidad de unificar el internet con la televisión de manera que ésta se vuelva mas personalizada. Permitiendo el acceso a más gente y dándole alta definición. Volviendo los dos medios más semejantes entre sí. Haciéndolas evolucionar estratégicamente, creativamente y técnicamente. Utilizando talentos como el de David Lynch y Tim Burton.

Nuit Blanche

La Noche Blanca es un evento que se hace en diferentes ciudades, pero nació en París. En donde diferentes artistas preparan obras e instalaciones por toda la ciudad. El metro permanece abierto durante la madrugada y es gratuito para facilitar  el movimiento de la gente de un lugar a otro.

Se utilizan mucho efectos de luz. Por ejemplo, reflejados en los edificios, dentro de catedrales, en parques públicos, a las orillas del río Sena, etc.

Tuve la suerte de que me tocara uno de estos increíbles eventos, en mi estancia en Paría, y fue una experiencia extraordinaria.  

http://paris.beingenious.com/    http://www.nuitblanche2009.com/

VOGUE:Primera edición

Vogue comenzó como una gaceta semanal a finales del siglo XIX

Color

Se comenzó a ver color en las portadas.

Portadas

Los artistas utilizaban las portadas de la revista para dar a conocer su propia corriente. Aunque ellos lo consideraban arte de muy baja categoría era una fuente de dinero confiable, además de que les servía para darse a conocer.

Salvador Dalí fue uno de los artistas que hizo portadas para la revista, como esta que se muestra.

Otros artistas fueron Picasso, Miró, Matisse, Chagall, Léger, entre otros.

Lapape y Benito

Los 20's fueron conocidos como "Golden Age of Covers". Los artistas se veían influenciados por corrientes como el expresionismo, el cubismo, fauvismo. 

La editora de VOGUE, Edna Woolman Chase, se quejó que las ilustraciones en las portadas eran simples expresiones de los artistas, pero que no tenían ningún énfasis en la moda. Las ilustraciones no mostraban detalles en cuanto a la ropa.

Se cambió el estilo de las portadas. Se volvieron más reales las formas femeninas y tenían ahora más enfoque en la moda.

Las mujeres que eran fotografiadas para la revista, eran las esposas de los hombres millonarios que pagaban por la ropa. Eran fotografiadas en clubs sociales o en sus yates . Cuando Conde Nast se convirtió en el nuevo editor de la revista, empezó a contratar actrices para las fotografías para que le pudieran dar más que una pose.

Esta fotografía fue la primera que se considera combinó la moda con la sociedad. Gertrude Vanderbilt Whitney en 1913.

En 1914, Adolphe Mayer transformó la fotografía de moda. De ser algo que los fotógrafos hacían además de su trabajo, a un trabajo de tiempo completo, una ocupación artística de tiempo completo. Se empezaron a armar escenas, a poner adornos, ya no eran sólo mujeres utilizando la ropa.

VOGUE al exterior.

Se llevaron las sesiones de fotos al exterior, en donde se planteaban situaciones más cercanas a la realidad.

Fotografía a color.

La fotografía a color fué sustituyendo poco a poco a la ilustración, hasta que con esta portada marcó el fin de la ilustración y el principio de la fotografía. 

La fotografía desde entonces fue evolucionando, creando diferentes escenarios y conceptos.

Richard de Avedon para Vogue.

                                                                                                             

Avedon llegó a VOGUE en 1966. Le dio a la fotografía de moda movimiento, diciéndoles a los modelos que no posaran como maniquíes, sino como personas portando la ropa. Dándole con esto, más profundidad que el simple hecho de enseñar la ropa. Desde entonces se le ha dado diferentes enfoques a la fotografía de moda, se tratan temas como sexualidad, homosexualidad, problemas alimenticios, enfermedades, erotismo, etc.  

Una obra de arte contiene obras de arte.

Centre Pompidou

14 pórticos que sostienen 13 tramos con una luz de 48 m cada una, espaciadas por 12,80 m. Elementos de acero (gerberttes) de 8 m de longitud y 10 toneladas de peso. Vigas de una longitud de 45 m, se apoyan en estas gerberettes. Una superestructura de vidrio y acero que envuelve los grandes espacios camuflados. Hay algo en esta estructura que te permite poder admirarlo por horas.... Hermoso!!

jugando con TAMAYO

Pedro Cabrita Reis. La línea del volcán

El artista portugués, Pedro Cabrita Reis, realiza una instalación en el Museo Tamayo. 

En la instalación, traslada la pintura a otros niveles de materialización en sus montajes para construir espacios ocupables, un lienzo tridimensional.

El arte contemporáneo es apreciado por pocos. Viendo las expresiones de la gente que pasaba por la instalación; incertidumbre, confusión, risa controlada en varios casos. No contando con la capacidad de ver más allá de simples materiales de construcción, quisiera hacer una comparación con el significado de la instalación y la apreciación de la misma.

El artista sugiere un horizonte que, aunque difícil de percibir, ofrece una variedad de perspectivas a descubrir. El hombre en su necesidad de construir, la naturaleza también se ha perdido como entorno en ciudades contemporáneas como la de México. En donde, aunque nos rodeamos de los volcanes más altos del país, es casi imposible vislumbrarlos en el paisaje cotidiano de este contexto urbano. Así como la mayoría no es capaz  de ver más allá de una colocación inclinada de estructuras de hierro con tubos de luz fluorescente y cables eléctricos con un fondo de color uniforme.

Walter Benjamin: La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica

http://www.cholonautas.edu.pe/modulo/upload/Benjamin1.pdf 

En este ensayo Walter Benjamin expone los diferentes puntos en los que es afectada la obra de arte en este tiempo de modernidad.

El fácil acceso a gran cantidad de información y tecnología ha llevado al hombre a diferentes técnicas que han facilitado también la reproducción de obras de arte. Además han modificado el concepto de lo Bello al difundir el arte de diferentes maneras y más fácilmente. 

La reproducción del arte, al mismo tiempo de "quitarle el aura" a la misma obra de arte, le ha dado también esa llamada autenticidad. Ya que gracias a la existencia de ésta, puede usarse dicho término. 

La misma reproducción ha traído consigo aspectos positivos y negativos para el arte. Las nuevas técnicas de ésta, trajeron el arte a la vida diaria, alcanzando a la imprenta. La imagen ahora podía ir a la par con el habla, la mano es más lenta. Además que ahora se le hacen modificaciones a la misma reproducción formando otras nuevas imágenes.

Pero con esto también se le quita el aquí y el ahora de la original obra de arte, su significación artística. La obra de arte que no solo trae consigo la simple imagen, trae todo un contexto histórico que viene mitos, religiones,  y que además en ese aquí y ahora desencadeno toda una serie de pensamientos y análisis.  

Los grandes espacios históricos modifican la percepción sensorial. Todas las transformaciones sociales traen con ellas transformaciones en la sensibilidad. La autenticidad, la unicidad, "el aura" de la obra de arte se identifica con su ensamblamiento en el contexto de la tradición.

La obra de arte cuenta con un valor cultural y un valor exhibitivo. Los elementos culturales influyen con la percepción de arte. Por ejemplo, la percepción de lo bello ha sido modificada. El ensayo pone como ejemplo el cine, el momento en el que el personaje es disparado por la espalda es un ejemplo perfecto de cómo el arte se a escapado de lo antes establecido como bello. El cine siendo espejo de el mismo hombre, pero ahora ese espejo puede ser llevado ante un público, hacia un mercado. No es sólo cómo el hombre se acerca al aparato, si no cómo también éste se presenta al mundo. Pero el cine expone ejecuciones pasibles de análisis exacto y rico.

Uno de los grandes cometidos del arte ha sido provocar demanda antes de su hora de satisfacción plena. Pone como ejemplo el dadaísmo, el cual buscaba provocar cosas que el cine busca provocar hoy.

También pone como ejemplo ese culto a las estrellas. Cómo esto a la vez de quitarle el llamado aura al personaje de cine, también promueve al mismo en este mercado.

Lo mismo con la literatura, antes con limitado número de seguidores, pero que despúes con la aparición de la prensa, se ve expandido.

Uno tiene que dar en cuenta la relación innegable de masas para con la obra de arte.

Le Déjeuner sur l'herbe

Literalmente, traducido al español, «Almuerzo sobre la hierba».Realizado por  Édouard Manet en 1863. Mide 208 cm de altura y 264,5 de largo. Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de Orsay de París, Francia. Al principio se llamó a este cuadro Le Bain, y luego La Partie carrée. En español, también se ha traducido como La merienda campestre o, también, Almuerzo campestre.

El hecho de que en el cuadro exista un desnudo femenino con caballeros completamente vestidos suscitaron controversia cuando la obra se mostró por vez primera en el Salon des Refusés en 1863, después de ser rechazado por el Salón oficial. Ademá numerosos críticos rechazaron la modernidad del estilo, desde el punto de vista cromático y compositivo.

PICASSO

Picasso retoma Manet en 1961. Parece divertirse con sus diferentes versiones.  

En una,Victorine vuelve a ser un globo, mientras que la bañista del fondo parece remojarse en una piscina hinchable y que el "Parlanchín", vestido totalmente de rojo, parece un Papa Noel o un enano de jardín.

  A comienzos de julio, graba varias planchas con un "Parlanchín" debidamente vestido. Pero luego, Picasso desnuda a todos, proporcionando de este modo una respuesta a la rareza del cuadro de Manet, aquella del enfrentamiento entre la mujer desnuda y hombres vestidos. El segundo hombre, que Picasso tumba en la hierba, con un libro en la mano, es verdaderamente cezaniano. El paréntesis naturista y cezaniano se cierra el 16 de julio de 1961 con un cuadro en el que Victorine, desmesuradamente alargada, gigante, se gira hacia el gran "Parlanchín" con un aspecto de mantis religiosa. El 27 de julio, Picasso transforma de nuevo El desayuno. Esta vez, elimina el vecino de Victorine y todos los accesorios. El "Parlanchín" pierde su cabello, manifiestamente envejecido y evoca irresistiblemente al propio pintor. Picasso entra en el cuadro para dialogar directamente con una Victorine que podría parecerse a su mujer Jacqueline. 

 Nunca Picasso ha llevado tan lejos a Manet para substituirle. Retoca cinco veces esta nueva distribución. A veces Victorine-Jacqueline es muy pequeñita, sometida al docto gesto del "Parlanchín". A veces es igual aplasta por su magnitud al "Parlanchín" transformado en marioneta, mientras que la bañista del fondo se remoja en una bañera. Ha vuelto la ironía.

 Picasso hizo también piezas de cerámica, dibujos a lápiz, cartones de los personajes en gran tamaño, etc. Conservando siempre a los personajes al aire libre.

Manierismo

Término que ha tenido cierto sentido peyorativo y que surge de la definición que críticos del siglo XVII dan de los pintores que buscan la perfección a la "maniera" de los grandes maestros del Renacimiento.

Es el período artístico que va desde 1515 hasta 1610 en toda Europa. Se representan temas religiosos con lirismo y fervor, temas mitológicos, que permiten expresar mejor ciertos sentimientos propios de la época, y temas alegóricos que ejemplifican los hechos históricos. El arte manierista es cortesano, intelectual y teatral.

Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio.

El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente

Se caracteriza, en su estado más puro, por composiciones en las que se rompe el equilibrio, líneas diagonales quebradas, espacios inestables, estilizamiento de los cuerpos, con cabezas pequeñas y extremidades desproporcionadas, que ocupan todo el cuadro y que contrastan con otras pequeñas figuras en la lejanía, audaces escorzos. Gusta la línea enroscada, los colores de tintas discordantes y efectos extraños de luz. Los paisajes son irreales.

Gritar? Llorar? Reír?...son reacciones que se olvidan, Dejarlo plasmado en una hoja ya sea escrito o dibujado, te permite regresar a ese sentimiento con más facilidad, de cierta manera te permite verte en diferentes tiempos, situaciones y edades, te permite estudiarte y así conocerte mejor. Si quieres dejarle a alguien tu experiencia, compartir tu sentimiento, creo que no hay mejor manera.

Y puedes gritar, llorar y\o reir mientras lo haces...

 La noche estrellada sobre el Ródano, 1888 de Vincent Van Gogh se encuentra en el Museo de Orsay en París.

 Una explosión, se expande hasta darte la sensación de que ya no existe espacio para ella, entonces ocupa tu espacio, te ocupa a ti. No hay palabra exacta para este sentimiento, sin embargo, como sea que se llame, ya lo has sentido.

  Cuando una imagen puede provocarte esto, transmitirte algo nuevo, algo desconocido, sin embargo tan fuerte..... algo que va más allá de la palabras y la única manera de explicarlo es haciéndotelo sentir mediante pinceladas y colores... Para mi esto es ARTE. 

Hoy a mis 20 años, me veo con la necesidad de acercarme a ver como funciona la creación de un blog, nunca he estado cerca de este tipo de cosas. Soy una persona ansiosa, por lo que tengo que enfocar esa ansiedad de manera positiva, no se me había ocurrido enfocarla en esto, suelo escribir en libretas o cosas mas rústicas, pero espero esto me permita sacar mi creatividad de diferente manera.

 Siempre me he sentido cerca del arte, bailé ballet por gran parte de mi vida , lo que considero me dejó entre muchas cosas, el poder apreciar el arte. Me encanta dibujar, escribir, bailar... son cosas que me permiten expresarme de diferentes maneras pero todas soy yo, Paulina.

Siento una gran fascinación por la estética y la armonía. Me encanta el teatro y espectáculos como el Cirque du Soleil, me parece increíble lo que te provocan mediante vestuario, maquillaje, música, actuación y baile....

Me declaro fan de Walt Disney, creó todo un mundo que nos provocó todo tipo de cosas generación tras generación, y hoy en día esos clásicos siguen siendo parte de nosotros.

Me encanta la ropa, me parece una increíble oportunidad para ser creativa y expresarte día con día...

Soy extremadamente sensible, lo que considero una cualidad que me deja apreciar la música, los escenarios y paisajes de la vida, y toda circunstancia de manera muy única y especial, y además se complementa con una memoria que me permite volver a sentir y volver a vivir esos momentos...

En esto intentaré combinar mis características y dejar algo de mi....